인도 극장에서 솔로 프로덕션이 번성하는 이유

솔로에서 배우는 혼자 무대에 서서 실루엣으로 가득 찬 어두운 홀의 모든 눈이 그 또는 그녀에 대해 훈련을 받았고 또 그래야 한다는 것을 알고 있습니다.

인도 극장에서 솔로 프로덕션이 번성하는 이유

unSEEN이라는 제목의 넌버벌 연극에서 배우 Kalyanee Mulay(26세)는 브래지어와 사이클링 반바지를 입고 무대에 들어가 흰색 슬립을 신고 다리를 밀고 혀를 포함한 신체 부위를 테이프로 측정하고 만집니다. 여성의 몸에 대한 전통적인 문화적 연관성을 간지럽히고 방해하려는 시도에서. 이 연극은 1891년 활동가 판디타 라마바이의 연설과 관련하여 라빈드라나트 타고르가 쓴 편지를 기반으로 합니다. 이 편지에서 그는 자연이 여성을 육체적으로나 지적으로 남성보다 약하게 만들었다고 주장합니다. 서킷에서 가장 도발적이고 성공적인 프로덕션 중 하나인 unSEEN은 2012년에 처음 상연되었을 때 많은 논란을 겪었습니다.

C Sharp C Blunt는 1년 후에 도착했습니다. 36세의 팔라비 MD는 관객들이 사용할 수 있는 실파라는 음악 스마트폰 앱을 이모티콘으로 표현했다. 사람들이 한 문장이나 대사를 제안하면 그녀는 목소리의 달콤함, 음높이, 유연성, 섹시함을 1에서 10까지의 척도에서 선택하도록 요청합니다. 팔라비는 수년간의 클래식 음악 교육을 통해 청중의 지시에 따라 노래를 부릅니다. 동시에 눈을 깜박이고, 손을 흔들고, 허리를 흔들고, 베일로 머리를 가리는 옵션이 추가되었습니다. 청중은 그것을 좋아하고 이것이 그들이 앞으로 앉아서 스토리 라인의 젠더 점을 연결하기 시작하는 순간이라는 것을 깨닫는 사람은 거의 없습니다.

몇 년 전까지만 해도 unSEEN과 C Sharp C Blunt는 틈새 관객을 대상으로 순회 공연을 하거나 대규모 그룹 쇼를 관람할 수 있었습니다. 대신 지난해 12월 단독극장전에서 14편의 연극에 이름을 올렸다. 처음으로 케랄라 주 트리푸니투라에서 열린 에카하리아 공연 축제는 최근 발전된 인도의 솔로 극장에 대한 반응이었습니다. 혼돈 속에서 여러 차례 강간을 당하는 딸을 찾는 아버지의 Manto 이야기를 바탕으로 한 솔로의 대담한 마야 크리슈나 라오(Maya Krishna Rao)는 그 자체로 장르로서의 초점이 솔로로 바뀌었다고 말합니다. Partition은 1993년 장르를 다시 시작하는 데 도움이 되었습니다. Rao가 한때 교수였던 델리의 National School of Drama에서는 2월에 연례 극장인 Bharat Rang Mahotsav(BRM)도 이러한 변화를 반영했습니다. 학교는 기록적인 수의 단독 지원을 받았고 10명이 컷을 통과했습니다.

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솔로는 항상 인도 공연 전통의 일부였지만 그룹 공연만큼 검증되지 않았고 메인 공연의 대안으로 여겨졌다고 생각합니다. 40~80년대 IPTA 기간 동안 집단 이념이 지배적이었습니다. 90년대부터 그룹 유지가 어려워졌다. 아마도 자유화와 함께 개인은 그룹을 넘어 손을 뻗기 시작했을 것입니다. 이제 솔로의 수가 증가했기 때문에 솔로를 큐레이터로 보는 것은 개인의 발전을 바라보는 연습이라고 Ekaharya의 큐레이터인 극장 감독 Abhilash Pillai는 말합니다.

솔로에서 배우는 혼자 무대에 서서 실루엣으로 가득 찬 어두운 홀의 모든 눈이 그 또는 그녀에 대해 훈련을 받았고 또 그래야 한다는 것을 알고 있습니다. 대부분의 솔로는 지속 시간이 1시간 미만이지만 일부는 영화만큼 깁니다. 신념의 힘만이 그 성과를 이어갈 것입니다. 델리에 기반을 둔 31세의 Mallika Taneja는 속옷을 입고 T셔츠, 반바지, 드레스, 스카프, 양말, 헬멧을 여러 겹 껴입으면서 여성의 외모에 대한 집착을 풍자합니다. Kaisi lag rahi hoon main ? Thoda Dhyaan Se. 그녀는 솔로를 배우의 패기를 테스트하는 기준 중 하나로 설명합니다. Mulay는 이런 종류의 작업을 수행하려면 매우 취약하고 개방적이어야 하기 때문에 이를 훌륭한 형태의 개인 변형 및 자기 발견이라고 부릅니다. 팔라비는 무대에서 나를 구해줄 사람이 아무도 없기 때문에 집중력이 흔들리도록 내버려 둘 수 없다고 덧붙였다. 출연자들은 자신의 장점과 단점을 뛰어넘어 자신을 펼침과 동시에 한계를 뛰어넘어 1인칭 쇼를 개인적이고도 급진적으로 만든다.

흰 참나무 사진

전통의 길을 걷던 연주자들도 새로운 지평을 열고 있다. 파트나에 기반을 둔 40세의 Ajay Kumar는 민속 이야기꾼이 노래, 내레이션 및 연기를 통해 이야기를 들려줌으로써 몇 시간 동안 모임을 사로잡는 고대 형태인 katha-gaayan-vaachan을 되살리려고 시도하고 있습니다. 전통적인 이야기 외에도 그는 Suryakant Tripathi 'Nirala', Raghuvir Sahay, Sarveshwar Dayal Saxenaa, Shrikant Verma 및 Bharatendu Harishchandra와 같은 힌디어 현대 시인의 시를 음악 낭송하기 시작했습니다. BRM에서 그는 신부와 사랑에 빠진 유령에 대한 Vijaydan Dehta의 이야기인 Mayee Ree Main Kaa Se Kahun을 집에 있는 군중 앞에서 공연했습니다. 내 예술은 말과 노래 사이에 있다. 우리는 언제 말하기에서 노래로 전환합니까? 우리는 언제 다시 이야기를 시작합니까? 우리는 내레이터와 눈 깜짝할 사이에 가수를 돌립니다. 바로 여기에 재미가 있습니다. 이 스타일을 마스터하면 어떤 이야기든 할 수 있다고 Kumar는 말합니다.

솔로 무대에서는 베테랑이 신인보다 많다. Naseeruddin Shah는 아인슈타인에서 솔로를 연주하고, Anupam Kher는 그의 삶을 여행하며, 자서전 Kuchh Bhi Ho Sakta Hai에서 자신과 그가 수년 동안 만난 사람들을 연기하고, 콜카타에 기반을 둔 Sanchayita Bhattacharya는 이탈리아 배우 Franca Rame의 정신을 전달합니다. -운동가이자 다리오 포의 아내, 혼자 있는 여자에서 남자들을 살해하는 방아쇠를 당긴 주부의 이야기. Seema Biswas는 죽은 것으로 추정되고 화장터에 버려진 미망인의 피부 아래로 들어가지만 Anuradha Kapur가 감독하는 Jeevit ya Mrit에서 의식을 얻습니다.

널리 공연되는 또 다른 쇼는 사그 미트(Saag Meat)로, 씨마 파화(Seema Pahwa)가 가사도우미에 대해 수다를 떨면서 자신도 모르는 사이에 학대의 어두운 이야기를 드러내는 동명 양고기 요리를 요리합니다. 2년 동안 홀, 가정 및 레스토랑에서 55회 이상의 Saag Meat 쇼가 열렸으며, 각 공연은 관객이 무대에서 배우가 요리하는 고기를 파헤치는 것으로 끝납니다. 솔로가 증가함에 따라 우연의 일치이지만 Tulsidas, Kabir, Vivekananda 및 Soordas의 베테랑인 Shekhar Sen이 Sangeet Natak Akademi의 회장으로 지명된 것이 적절합니다.

연기 학교는 커리큘럼에 솔로 공연을 포함하지만, 꽉 찬 홀은 특히 여러 캐릭터를 연기하는 경우 기민한 연기자만을 존경합니다. 그녀의 대담한 Thoda Dhyaan Se를 시도하기 전에 델리에 기반을 둔 Tadpole Repertory와 함께 Winter's Tale과 같은 대규모 작품에 출연한 Taneja는 모자에서 모든 트릭을 꺼내야 한다고 말합니다. 한편, Mulay는 unSEEN을 위해 또 다른 전문가인 Vishnupad Barve 감독과 협력했습니다.
한 감독의 농담처럼 선배 아티스트들은 돈을 공유하고 싶지 않기 때문에 솔로를 좋아합니다. 금융 투자가 그룹보다 적은 것이 사실입니다. 솔로를 통해 배우들은 대도시, Tier-II 및 III 도시는 물론 해외의 페스티벌과 쇼에 광범위하게 여행할 수 있습니다. 미학적으로도 솔로는 속성, 앰프, 마이크 및 초점 조명과 같은 프로시니엄의 문법을 다듬을 수 있습니다. 성공적인 솔로를 만들기 위해 필요한 것은 두 사람, 즉 한 사람은 공연하고 다른 한 사람은 지켜보는 것이라고 농담할 수도 있습니다. 장소는 공원에서 침상까지 다양할 수 있으며 케랄라에 기반을 둔 Vinu Joseph이 보여주듯이 장소는 어디든 좋습니다.

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Joseph은 Ekaharya 축제가 열리는 Tripunithura 궁전의 홀에서 행동하지 않았습니다. 풍선에 의해 몸이 부풀어 오르고 일그러진 그는 관객이 복도, 모퉁이, 심지어 부엌에서 다른 쇼를 드나들 때 그의 작품 Dr Vikadan, Theatre Clown을 선보였습니다. 12월 페샤와르에서 학생들이 학살된 후 풍선으로 아이의 인형을 만들어 공연했다. 부푼 꼭두각시 인형은 몸의 형태를 취하지 않고 관객 사이를 오가는 생물 일뿐입니다. 때때로 조셉은 아이들에 대한 폭력에 대한 서사를 시작했고, 다른 때는 움직이지 않는 조각품처럼 가만히 서 있었습니다. 그것은 비언어적이었고 매우 매력적이었습니다. 아이들은 그를 사랑했습니다. Pillai는 말합니다.

대부분의 솔로 배우는 관객이 연극의 창작 과정에서 공유하는 상호 작용을 사용합니다. 델리에 기반을 둔 Jilmil Hajarika의 To Kill or Not to Kill에서 관객은 남성을 혐오하는 Medea와 여성을 혐오하는 Hamlet과 이야기를 나누며, 마지막 장면에서 Euripedes의 정신 나간 여주인공이 남편을 죽일 준비를 하는 동안 이아손과 아이들은 합창단이 되어 한 목소리로 Hosh mein a Medea라고 외친다.

배우의 야망과 경기 침체가 솔로를 지배할 것인가? 아니면 솔로와 그룹이 동등한 군중을 끌어들이는 에든버러 페스티벌에서 볼 수 있듯이 인도 연극은 공존을 반영할 것인가? 왜 비교합니까? Pillai가 묻습니다. 중요한 것은 솔로를 외면하지 않는 것입니다. 결국 한 그룹의 목소리를 들으면 그 목소리만 들릴 때도 있습니다. 그룹도 필요하지만 둘 다 제한되지 않으려면 방정식이 변경되어야 합니다. 한편, 뮬레이는 올해 말 또 다른 솔로를 준비하고 있다.