Sandeep Narayan 인터뷰: '나는 내 콘서트가 가능한 한 진실되고 리얼하기를 원합니다'

Carnatic 클래식 보컬리스트 Sandeep Narayan은 보수적인 예술로 간주되는 것을 연습하면서도 동시대의 가치를 믿습니다. 그를 훈련시키고 예술과 삶에 대한 그의 관점을 형성한 스타 뮤지션이 누구인지 궁금하십니까? 이 매력적인 대화를 읽으십시오.

Carnatic 클래식 보컬 인 Sandeep Narayan이 콘서트에서 공연합니다. (사진설명: 라마나단 아이어)

1990년대 미국에서 학교를 다니던 아이를 데리고 첸나이로 보내 카르나틱 음악을 배운다는 것은 상당히 비정통적인 아이디어였습니다. 이전에는 아무도 해보지 않았지만 로스앤젤레스의 나라얀은 카르나틱 음악을 너무 좋아해서 재능 있는 아들이 또래 아이들이 첸나이에서 즐겼던 이점을 놓치지 말아야 한다고 생각했습니다.

그들의 아들은 겨우 11살이었고 어린 시절부터 집에서 들었던 모든 것이 카르나틱 음악이었기 때문에 자연스럽게 음악에 관심이 있었습니다. 그는 4살 때부터 음악 혈통이 잘 알려진 어머니 Shubha Narayan에게 카르나틱 음악을 배웠습니다. 그러나 어린 소년이 너무 장난을 치는 바람에 그의 부모는 그가 다른 전문가에게 정식으로 배워야 한다고 생각했습니다. 그들은 Sandeep의 형 플루트를 가르치고 있던 첸나이의 플루트 거장 N Ramani에게 도움을 줄 수 있는지 물었습니다. 라마니는 상당한 생각 끝에 그 소년에게 인도로 와서 저명한 음악학자이자 인기 있는 선배 연주자들의 교사인 캘커타 KS Krishnamurthi에게 배우라고 제안했습니다.

Krishnamurti는 인도로 영구적으로 이주한 가족을 제외하고는 어린이는 물론이고 NRI를 가르친 적이 없었기 때문에 요청이 조금 이례적이었습니다. 그는 Ramani 때문에 그것을 시도했고, 그 소년의 초기 훈련과 통찰력에 깊은 인상을 받았고 그가 그의 밑에서 배울 수 있도록 허락했습니다.

소년은 약 18개월 동안 어머니와 함께 인도에 머물렀고 수업, 콘서트 및 끊임없는 연습으로 가득 찬 크리슈나무르티 아래에서 상당히 혹독한 훈련을 받았습니다. 미국으로 돌아왔을 때 그는 탄탄한 기반과 클래식 음악에 대한 애착이 훨씬 강했고, 카르나틱 음악에서 큰 성공을 거두고자 하는 열망이 컸습니다. 그는 여름과 겨울 방학 동안 첸나이에서 녹음과 직접 수업을 통해 Krishnamurthi 밑에서 계속 훈련했습니다.

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그 소년에게는 불행하게도 Krishnamurti가 3년 만에 사망했고 비슷한 수준의 교사가 없었습니다. 그러나 이번에는 가족이 다른 전문가를 찾을 필요가 없었습니다. 이제 십대가 된 그 소년은 이미 그 자체로 스타이자 Krishnamurti의 선배 제자인 새로운 전문가에게 눈을 돌렸기 때문입니다. . 여전히 미국에 거주하고 있으며 2년에 한 번씩 인도로 여행을 가는 이 소년은 향후 15년 동안 새로운 전문가에게 배웠고, 현재는 자신의 전문가에게 고유한 스타일을 흡수한 몇 안 되는 현대 카르나틱 음악가 중 한 명이 되었습니다. 새로운 구루와의 훈련은 삶을 변화시켰고, 그 소년은 학부 과정을 마친 후 2006년에 영구적으로 첸나이로 옮겼습니다. 그는 이제 젊은 세대의 Carnatic 음악가의 최고 스타 중 하나이며 인도에서 Carnatic 음악을 경력으로 만든 최초의 인도계 미국인 어린이입니다.

이것은 고전주의, 표현, 즉흥이 풍부한 스타일로 유명한 Carnatic 음악의 멋진 친구 Sandeep Narayan의 이야기입니다. 그는 Madras Music Academy를 ​​포함한 Chennai의 Sabhas에서 황금 시간대 가수이며 다른 인도 도시에서도 많이 찾는 클래식 연주자입니다. 그는 또한 예술을 새로운 세대와 크로스오버 청중에게 전달할 수 있는 젊은 세대의 클래식 음악가 중 한 명입니다.

유연하고 옥타브를 쉽게 이동할 수 있는 매력적인 목소리를 타고난 Sandeep은 깊이 있는 표현 스타일로 유명하며 첸나이와 다른 지역의 모든 연령대의 인상적인 클래식 음악 감정가를 매료시키는 유쾌한 연주자입니다. 그는 클래식 가창의 모든 면에 능숙하며 그의 스타일은 잘 조각된 가마카, 브리가 및 매력적인 음악 사운드로 풍부하여 카르나틱 음악을 평신도에게도 매력적으로 만듭니다. 느린 속도와 높은 속도 모두에서 그의 노래 고유의 라야는 그의 음악에 특정 선명도, 침착함 및 즐거운 걸음걸이를 제공합니다. 그의 잘 연마된 클래식 기법과 다른 형태의 음악 및 예술에 대한 정보에 입각한 노출은 라가 노래, 네라발(주요 구성에서 후렴을 부르는 즉흥 노래), 칼파나스와라(가수가 참여하는 라가 음표에 대한 상상력이 풍부한 표현), 그리고 가장 중요한 것은 카르나틱 가수의 기술적이고 창의적인 다재다능함을 벤치마킹하는 RTP(라가 타남 팔라비)입니다.

Sandeep은 많은 지역 및 국가적 영예를 안고 있습니다. 그는 Music Academy에서 최고의 콘서트 연주자였으며 작년에 Sangeet Natak Academi의 Ustad Bismillah Khan Yuva Puraskar와 같은 많은 타이틀을 받았습니다.

체리처럼 생긴 열매

그를 조금 독특하게 만드는 것은 그가 구식의 보수적인 카르나틱 가수가 아니라는 사실이기도 하다. 아마도 그를 컨템포러리 보수주의자라고 부를 수 있을 것입니다. 보수적인 예술로 여겨지는 것을 실천하면서도 컨템포러리 가치를 믿는다는 의미입니다. 그리고 그와 같은 음악가들은 Carnatic 음악과 같은 오래된 예술조차도 매우 현대적이고 미래 지향적일 수 있음을 보여줍니다.

그를 훈련시키고 예술과 삶에 대한 그의 관점을 형성한 스타 뮤지션이 누구인지 궁금하십니까? 이 매력적인 대화를 읽으십시오.

Sandeep Narayan은 2019년 마니푸르 주지사 Najma Heptullah로부터 SNA Yuva Puraskar를 받습니다.

처음부터 시작하겠습니다. 당신은 인도에서 직업으로 Carnatic 음악을 추구하기로 선택한 최초의 인도계 미국인 어린이로서 개척자였습니다. 어떻게 된 일이고 돌이켜보면 어떤 생각이 드나요? 생활습관 교정을 많이 겪으셨나요?

그 당시에는 어찌할 바를 몰랐던 것 같고 결국 효과가 있었던 일종의 실험이었다. 나는 내가 카르나틱 음악을 하고 싶고 첸나이에서만 할 수 있다는 것을 확실히 알고 있었다. 생활습관 교정에 있어서는 음악이 무엇보다 중요했기 때문에 문제가 없었습니다. 음악을 배우고, 콘서트에 가고, 결국에는 공연하는 것입니다. 그것이 목표였습니다. 사실, 나는 사람들이 여기에서 생활 수준이 더 낮다고 말할 때 동의하지 않습니다. 왜냐하면 그것은 당신이 찾고 있는 것과 당신의 가치가 무엇인지에 달려 있기 때문입니다. 나는 생활 수준이 실제로 여기가 더 낫다고 주장할 수 있습니다. 삶을 더 행복하게 만드는 많은 것들을 여기서 더 쉽게 얻을 수 있습니다. 예를 들어, 차 한 잔을 마시고 싶다면 스타벅스에 차를 몰고 갈 필요가 없습니다. 어떤 차 카다이(가게)라도 몇 피트만 걸어가면 됩니다! 여기 멋진 친구들도 있습니다. 솔직히, 나는 꽤 행복합니다.

오늘날에도 상당히 보수적으로 보이는 음악 시스템에서 인도 구루와 쉽게 적응할 수 있었습니까?

첸나이에서 저의 첫 번째 구루인 KSK Mama(KS Krishnamurti)는 정통하지 않았고 우리는 아주 잘 지냈습니다. 미국 억양이 매우 강한 11살짜리 아이가 선배 비드완에게 음악을 배우고 싶어한다는 사실이 재미있었습니다. 조금 회의적이었지만 내가 노래를 부르는 것을 듣고 그는 기뻐했다. 첫 수업이 끝난 후, 그는 내가 또래 아이들보다 더 유능하다고 생각하기 때문에 더 높은 수준에서 나를 가르칠 것이라고 말했습니다. 뭔가 확실히 우리 사이에 클릭했습니다.

당신은 Calcutta Krishnamurti 밑에서 배우기 위해 1996년부터 인도에 왔으며 그가 세상을 떠나면서 다른 전문가로 옮겨가서 완전히 독립할 때까지 오랫동안 그 밑에서 배웠습니다. 첸나이에서 음악가로서 당신의 발전을 설명할 수 있습니까?

KSK Mama는 저에게 manodharma를 아주 일찍 탐험하도록 격려했습니다. 그 시점까지 나는 알라파나, 네라발, 스와라 등과 같은 즉흥 음악을 거의 하지 않았습니다. 그는 또한 제게 많은 새로운 라가를 가르쳐 주었고 제 음악적 추구에 다른 방향과 깊이를 주었습니다.

1999년 그가 세상을 떠났을 때 나는 다른 사람에게서 배워야 했고 생각나는 사람은 Sanjay Subrahmanyan뿐이었습니다. 1995년 그의 미국 콘서트 투어에서 우리 가족이 그를 만났기 때문에 KSK Mama에 가기 전부터 그를 알고 있었습니다. 저는 어렸을 때에도 그의 열렬한 팬이었고 1996-97년부터 그를 종교적으로 따랐습니다. 첸나이에 있을 때마다 그의 콘서트에 가서 맨 앞줄에 앉곤 했습니다. 그는 또한 Sudha Raghunathan 및 P Unnikrishnan과 같은 잘 알려진 다른 예술가들과 함께 KSK Mama에게서 배웠습니다. 나는 정말 큰 충격을 받았고 또한 Sanjay Subrahmanyan도 배우고 있는 같은 전문가에게서 배우고 있다는 것이 멋지다고 생각했습니다.

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그래서 제 구루가 더 이상 없을 때 Sanjay에게 저를 가르칠 수 있는지 물었습니다. 나는 내 선택에 대해 절대적으로 확신했지만 그는 훨씬 더 나이가 많고 나이가 많은 KSK Mama에게서 배운 후 내가 그 세대의 누군가와 계속해야한다고 생각했기 때문에 약간 주저했습니다. 그러나 나에게 Sanjay는 완벽한 적합이었습니다. 나는 그와 너무 잘 어울리고 부모님도 좋아하셨습니다.

나와 Sanjay는 생각할 필요가 없었습니다. 우리는 스포츠, 영화, 다른 스타일의 음악 등에 대해 이야기하곤 했습니다.

아직도 그에게서 배우나요?

나는 2014-15년경까지 그에게서 정기적으로 배우곤 했습니다. 점점 늘어나는 여행과 그의 이미 바쁜 여행 일정으로 인해 수업 횟수가 점차 줄어들었습니다. 그는 또한 내가 스스로 배우고 확장하기를 원했습니다. 지금은 배우면서 더 독립적이지만 가끔 음악에 대한 질문이 있으면 그와 상의합니다. 예를 들어, 2년 전에 제가 몇 곡을 배울 수 있으면 그에게 메시지를 보냈고 그는 즉시 요구했습니다. 오늘도 음악적으로 해명할 게 있으면 그에게 간다.

아시다시피 사람들은 몸짓, 건전한 매너리즘, sangathis 등을 포함하여 음악에서 Sanjay의 많은 영향을 찾습니다.

네, 알겠습니다(웃음). 그러나 Sanjay와 내 음악을 팔로우하는 사람들은 또한 내가 Sanjay Sir의 스타일에서 어떻게 그리고 언제 벗어났는지 알아차렸습니다. 지나가는 말을 듣고 내가 그의 제자라는 것을 아는 사람들은 당연히 그 연관성을 만들고 실제든 인식된 유사점이든 언급할 것입니다.

또 다른 영향은 콘서트 자체에 대한 그의 접근 방식이기도 합니다. 그에게는 어느 정도 전문성이 있고 그것이 나에게도 스며들어 그에게 매우 감사합니다. 그는 다른 예술가, 조직 및 청중을 존중합니다. 그는 나에게 말했다: 청중이 어리석다고 생각하지 마십시오. 그것들을 당연하게 여기지 마십시오. 콘서트에서 항상 기억하고 지키려고 노력하는 것 중 하나입니다. 그의 집중도와 진지함은 경외심을 불러일으킵니다. 그는 콘서트에 있을 때 그 홀, 전체 공간을 소유하고 있습니다.

보컬리스트 Sandeep Narayan을 컨템포러리 보수라고 부르는 것이 더 낫습니다. 보수적인 예술로 간주되는 것을 연습하면서도 컨템포러리 가치를 믿는다는 의미입니다. (사진설명: 라자파네 라주)

Sanjay의 스타일은 혁신에 관한 것입니다. 무대에서 얼마나 혁신적입니까?

특히 그날은 꼭 노래를 불러야겠다는 생각으로 콘서트에 갈 수도 있지만 항상 그런 것은 아니다. 대신 다른 일이 발생할 수 있습니다. 콘서트 무대에 앉으면 대중적인 것부터 클래식한 것까지 끊임없이 듣고 배우기 때문에 머릿속에 많은 음악이 떠오릅니다. 그런 일이 생기면 나는 그것을 탐구하는 것을 좋아합니다. 그것은 확실히 내 전문가와 다른 예술가들로부터 얻은 것 중 하나입니다. 머리에 떠오르는 것이 있으면 그것을 탐색하십시오. 아니오라고 말하지 마십시오. 그것이 다른 것이 되지 않도록 우리 구조의 범위 내에서 그것으로 무엇을 할 수 있는지 보십시오. 카르나틱 콘서트는 영화음악 콘서트도 아니고 퓨전 콘서트도 아니지만 그 틀 안에서는 여전히 창작의 가능성이 있다. 그렇게 접근하고 싶습니다.

당신은 당신의 어린 시절에 함께 몇 시간 동안 끊임없이 연습하는 것으로 알려져 있었습니다. 콘서트와 투어로 바쁜 지금, 어떻게 감당하고 계신가요?

최근 미국 여행을 하는 동안 많은 아이들이 저에게 일정 수준에 도달하기 위해 얼마나 연습해야 하는지를 묻습니다. 이에 대한 내 대답은 공식이 없다는 것이었습니다. 저를 위한 공식은 결코 없었습니다. 그리고 그것은 확실히 양보다 질에 관한 것입니다. 계속 열심히 하고 언젠가는 일이 터질 것이라는 자신감을 가져야 합니다. 미국에 있을 때 학교, 대학 등에서 연습이 훨씬 더 어려웠습니다. 대학에서는 세 사람과 아파트를 같이 쓰다 보니 위치를 찾는 것조차 문제였습니다. 그런데 그 당시에는 그걸 만회하려고 음악을 많이 들었고, 매달 집에 가면 매일 2~3시간씩 연습했습니다. 첸나이로 이사왔을 때 문제가 별로 없었고 아침에 2~3시간, 오후나 저녁에 2~3시간씩 규칙적으로 연습할 수 있었다. 저 역시 아티스트를 가리지 않고 거의 매일 콘서트에 갔습니다. 즉, 그 시점에서 나는 내 모든 시간을 음악으로 채웠다. 대부분이 반복이었습니다.

반복은 과학이 작동하는 방식입니다. 당신은 반복합니다, 당신은 완벽하지 않습니까?

예, 오늘날 학생들이 명심해야 할 점은 노래를 배우고 다음 단계로 넘어가서는 안 된다는 것입니다. 일찌감치 머리에 박힌 한 가지는 노래를 백 번은 불러야 한다는 것이었다. 그것은 특히 과거의 최고의 예술가들이 알고 행했던 것입니다. 중간 어딘가에서 그것은 많은 야심 찬 음악가들과 함께 잊혀졌습니다. 그리고 나는 때때로 나조차도 그런 태도의 희생자라는 것을 인정합니다. 나는 노래를 배웠다고 생각합니다. 나는 노래를 몇 번 불렀고 지금은 가능한 한 빨리 콘서트에서 부르고 싶습니다. 그날 일하고 나는 안전할 수 있지만 한 달, 두 달 또는 여섯 달 후에 같은 노래를 부르면 그날의 버전과 첫 번째 버전이 몇 마일 떨어져 있을 것입니다. 노래를 처음 부를 때는 그냥 낭송하는 것인데, 일정 기간 동안 그렇게 많이 연습하면 노래가 될 수 있어요. 당신은 더 이상 암기된 것이 아니라 당신의 일부입니다. 나는 오늘날에도 그것을 본다. 반복은 제가 지난 몇 년 동안 매우 중요하다고 깨달은 것 중 하나입니다. 나는 varnams를 계속해서 노래합니다. 다른 속도, 다른 gamakam 탐사, 다른 것과 같은 것.

지금은 콘서트와 여행 일정 때문에 연습을 많이 못했는데 하루에 한 두 시간 정도는 따로 떼어 놓으려고 해요. 여행하는 날 연습은 콘서트 요약과 같습니다. 더 일찍 같은 장소에서 불렀을 노래와 라가를 반복하고 싶지 않기 때문에 무엇을 부르고 무엇을 피해야 할까요? 예를 들어, 이번에 내가 Guruvayoor의 Chembai 축제에 갔을 때 나는 갑자기 Rasavilasa(라가 Kamboji의 Swathi Thirunal 노래)를 아주 오랫동안 부르지 않았다는 것을 깨달았습니다. 그래서 코임바토르 공항에서 구루바요르까지 차를 타고 가는 동안 녹음을 들으며 기억을 되살리려고 노력했습니다. 결국 다른 곡 부탁이 있어서 부르지 못했는데 기억에 남아서 기쁘고 조만간 다시 부를 생각입니다.

Carnatic 음악가는 때로는 음성 전문가의 도움을 받아 노래를 완성하기 위해 다양한 음성 기술을 사용하는 것으로 알려져 있습니다. 가지고 있습니까?

내가 깨달은 것은 우리 음악 자체에 내장된 연습이 너무 많다는 것입니다. sarali-varisai와 janta-varisai와 같은 기본적인 것들조차도 그 자체가 운동입니다. 불행히도, 그들은 varnam을 배우기 위한 초심자의 디딤돌로 낙인찍혔고 그것을 마치면 swara jathis와 geethham으로 이동하고 뒤돌아보지 않는 경향이 있습니다. 그러나 그런 것들은 시대를 초월합니다. 그들은 우리를 위해 마련된 좋은 운동입니다. 그것은 당신의 첫 번째 기담 책에 바로 거기에 앉아 있습니다. 나는 때때로 명료도를 유지하면서 다른 라가와 다른 속도로 노래를 부릅니다. 그 자체로 놀라운 음성 연습입니다. 저에게는 재미있는 도전이 되었습니다.

2019년 첸나이 카팔리 사원에서 열린 콘서트에서 Sandeep Narayan이 공연을 펼치고 있습니다.

Varnams조차도 좋은 운동입니다. 속도는 느린 것에서 빠른 것으로 가고, 곡조는 종종 매우 낮은 것에서 매우 높은 것까지 다양하며 우리는 그 안에서 스와람, 사히얌 등을 하고 있습니다. 그래서 목소리 연습은 실제로 우리 음악과 함께 옵니다. 우리는 그것들을 적절하게 탐색하고 활용하기만 하면 됩니다.

그러나 나는 또한 목소리를 유지하는 데 도움이 될 수 있는 워밍업 및 쿨다운 운동의 유형에 대해 훈련된 전문가와 논의했습니다. 우리는 일반적으로 쿨다운이 필요하지 않다고 생각하지만, 이는 다른 근육과 체육관의 다른 운동과 마찬가지로 두 가지 모두에서 훈련과 연습이 필요합니다.

요즘은 다양성에 대한 요구가 많아 아티스트는 끊임없이 자신의 레퍼토리를 확장해야 합니다. 그것이 당신에게 압력을 가합니까?

아마도 수십 년 전에는 같은 세트의 노래를 도시마다 계속해서 부를 수 있었고 그 과정에서 그 노래를 다듬을 수도 있었습니다. 그러나 오늘날 소셜 미디어와 디지털 플랫폼의 출현으로 인해 많은 일을 할 수 없습니다. 한 곳에서 노래나 라가를 부르면 다른 도시의 모든 사람들이 거의 즉시 알게 될 것입니다. 내가 곧 다른 도시에서 그것을 반복한다면 그들은 내가 어디에서나 같은 노래를 부르고 있다고 말할 것이고 아마도 나는 다른 것을 모른다고 말할 것입니다! 그래서 신곡을 더 자주 부르는 것이 어느 정도 필수가 되었습니다. 단점은 계속해서 새로운 곡을 부르다 보면 마스터하고 싶은 곡에 깊이 빠져들지 못한다는 것입니다. 그래서 확실히 부담이 될 수 있습니다. 앞서 언급했듯이 대중에게 발표하기 전에 노래를 여러 번 이상적으로 불러야 합니다. 이는 또한 모든 콘서트의 레퍼토리를 지속적으로 업데이트하려고 할 때 목소리에 부담을 줄 수 있습니다.

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신곡은 물론이고 오래된 곡에도 신선함을 더하는 것이 제 접근 방식입니다. 관객뿐만 아니라 나 자신에게도 말이다. 20년 전에 불렀던 노래를 오늘 불러도 그 소리가 그대로 들린다면 그건 뮤지션으로서 아직 성장하지 않았다는 뜻이다. 아티스트들이 오늘날보다 더 자주 노래를 부르면서 벗어날 수 있었겠지만, 나는 또한 가장 위대한 아티스트들이 단지 효과가 있는 것을 찾고 같은 일을 계속하는 것이 아님을 깨달았습니다. 대신, 그들은 모두 대부분 계속 진화했습니다. 수년에 걸쳐 그들의 음악에서 그러한 변화와 성숙을 볼 수 있습니다.

하지만 과거의 거장들은 레퍼토리를 확장해야 하는 이런 압박감이 없었다.

과거 마스터들이 어떤 압박을 받았는지, 없었는지 잘 모르겠습니다. 그러나 나는 그것이 사실일 수 있다고 생각하고 그것이 우리가 그들과 연관시키는 그들의 히트작이 된 트레이드마크 노래 중 일부를 부를 수 있었던 이유입니다. 신곡과 라가를 선보인 것도 잊지 말자. 나는 GN Balasubramaniam의 음악을 통해 Durga와 Gavathi와 같은 일부 힌두스탄 라가를 소개받았습니다. 때때로 그들은 라가를 유명하게 만들었고 때로는 라가가 그들을 유명하게 만들었습니다. 그러나 이 접근 방식에도 역동성이 있었습니다. 노래는 같을지 모르지만 그들은 스와라 노래, 네라발 등의 새로운 아이디어를 가져 왔습니다. 아시다시피 사람들은 그 노래를 녹음 날짜로 참조합니다. 아티스트 X는 Z년에 잊을 수 없는 노래 Y를 불렀습니다. 사람들은 왜 그러는 걸까요? 노래나 라가가 같아도 연주가 같지 않기 때문입니다. 4번의 콘서트 후에 아티스트가 같은 소리를 낸다고 느낀다면 더 이상 그/그녀의 음악을 듣고 싶지 않을 수도 있습니다. 과거와 오늘날의 성공적인 예술가들은 항상 그 함정에 빠지는 것을 피했습니다. 그들은 매 공연마다 다른 것을 가져옵니다.

Sandeep Narayan은 2013년 펜실베니아 카네기 멜론 대학교에서 열린 콘서트에서 공연합니다.

지금 사람들이 우상화하는 과거의 많은 스승들은 그 시대에 제대로 된 인정을 받지 못했습니다. 당신은 그들의 작업 중 하나를 따르십니까?

우리가 종종 실제 능력과 기여도에 비해 자신의 시간 동안 과소 평가되었다고 느끼는 아티스트가있었습니다. 사람들은 항상 그 예로 MD Ramanathan에 대해 이야기합니다. Thanjavur S Kalyanaraman도 그랬던 것 같아요. 그리고 비록 Madurai Somasundaram이 그의 시대에 상당한 성공을 거두었지만, 그는 어떤 이유로든 당시의 동료들과 동등하게 역사책에 기록되지 않는 것 같습니다. 2019년에 우리는 그의 탄생 100주년인 Somu 100을 여러 곳에서 경축했지만 그 이전에는 최근 몇 년 동안 그의 이름과 그의 음악에 대해 이야기하는 사람들을 거의 들을 수 없었습니다. 나는 그것이 아주 이상하다고 생각합니다.

요즘 사람들이 칼랴나라만 얘기를 더 많이 하는 게 이상하지 않나요?

오늘날 그는 컬트 영웅입니다. 그는 기본적으로 시대를 앞서갔다고 생각합니다. 사실 SKR의 제자, 가족, 친지로부터 SKR에 대한 흥미로운 일화를 많이 듣습니다. 그 중 하나는 자신의 능력을 향상시키기 위해 음성 기술에 대한 연구를 많이 했다는 것입니다. 이러한 기술 덕분에 그는 스루티와 라야의 정확성을 유지할 수 있었습니다. 사실 모든 것이 고요한 밤에 혼자 앉아 목소리 연습을 하곤 했다고 한다. 그는 또한 dwi-madhyama panchama varjya ragas를 탐구했는데, 이는 아무도 실제로 많이 탐구하지 않은 개념이었고 vivadhi ragas의 전문가였습니다. 오늘날 사람들은 그의 작품을 경외심으로 바라보고 있습니다. 적어도, 나는 확실히 한다.

만나서 함께 시간을 보낼 수 있는 사람이 누구냐고 물을 때마다 항상 생각나는 사람입니다.

당신은 다른 사회 문화적 환경에서 왔고 세계의 다른 형태의 예술과 음악에 노출되어 있기 때문에 그것이 당신의 음악에 영향을 미치나요?

저는 항상 웨스턴 팝, 록, R&B, 힙합 등을 많이 들었습니다. 지금도 그렇습니다. 내 Spotify 재생 목록은 미국 및 영국 기반 아티스트와 인도인이 혼합되어 있습니다. 비 카르나틱 스타일의 음악을 듣는 것은 종종 나에게 해방이나 안도감을 줍니다. Carnatic 음악은 항상 저를 깊이 집중하게 하고 제 두뇌를 항상 들뜨게 합니다. 내가 그것을 끄거나 휴식을 취하는 유일한 방법은 다른 스타일을 듣는 것입니다. 하지만 그것이 제 Carnatic 음악에 얼마나 영향을 미쳤는지 모릅니다. 랩이나 힙합은 카네틱에 못 넣을 것 같아요(웃음)!

그러나 대중 음악이나 기타 형식에는 클래식 음악을 풍부하게 하거나 색상을 추가할 수 있는 요소가 있을 수 있습니다.

나는 아마도 오래된 영화 노래가 특히 라가 기반의 경우 Carnatic 음악에 더 쉽게 적응하는 경향이 있다고 말할 것입니다. 또는 다른 스타일과 다른 리듬 패턴. 그것들은 전통적이지 않을 수도 있지만 우리는 그것들을 훨씬 더 쉽게 우리 음악에 가져올 수 있습니다. 평행선이 많기 때문에 일반적으로 재즈에서 약간. 록 음악이 퓨전 장르에 들어가지 않고서는 Carnatic에 너무 적합하다고 생각하지 않습니다.

나는 재즈가 카르나틱 음악에 상응하는 서양적이거나 오히려 미국적이라고 생각합니다. 둘 다 비슷한 즉흥 음악입니다. 나는 종종 사람들이 카르나틱 음악에 재즈 기법을 시도하지 않는 이유가 궁금하다. 클래식함이나 진지함을 잃지 않으면서도 콘서트를 더 화려하게 만들 것이기 ​​때문이다.

네 맞습니다. 재즈는 Carnatic에 가장 가깝습니다. 일반적으로 고전이라는 용어 때문에 모든 사람들은 기본적으로 남인도 또는 북인도의 고전 음악을 서양 고전과 비교합니다. 하지만 테크니컬함과 콘서트 프리젠테이션을 보면 재즈는 ​​카르나틱 음악에 가깝다. 예를 들어, 그들이 후렴을 가지고 있는 동안, 우리는 raga-tanam-palavi의 노래나 팔라비의 한 구절이 있습니다. 팔라비는 재즈처럼 후렴을 하고 ​​즉흥 연주를 반복하는 것과 같다. 한편 타남은 스캐팅과 비슷합니다. 우리는 서정적인 의미가 없고 멜로디와 리듬을 함께 섞고 있는 몇 개의 음절만 가져옵니다.

또 다른 유사점은 필요한 기술 수준입니다.

트레이닝 면에서도 카르나틱 음악과 매우 흡사하다. 그들의 기술이나 훈련은 노래, 피아노, 색소폰 또는 드럼 연주에 관한 것일 수 있습니다. 기술교육입니다. 그리고 그들은 많이 들어요. 재즈 아티스트는 끊임없이 무언가를 연주하거나 듣고 있습니다. 기술을 숙달하고 어느 정도는 경청도 많이 하기 때문에 창의력이 발휘됩니다. 그들은 머리 속에 있는 것은 무엇이든 할 수 있는 기술적 전문성을 가지고 있습니다. 두뇌에서 목소리나 손가락으로 전달되는 그 메시지는 당신의 기술력 때문에 처리됩니다. Carnatic에서도 마찬가지입니다.

MadRasana의 Gopala Gokula 뮤직 비디오 촬영 스틸.

그러나 재즈 뮤지션들이 가난한 배경에서 온 반면 Carnatic은 때때로 배타적이라는 비난을 받는 다른 사회 문화적 프로필을 가지고 있다는 것이 이상합니다.

아마도 그것은 지역 사회에서 문화가 어떻게 진화했는지와 관련이 있습니다. 예, 인구 통계는 매우 대조적이지만 교육, 스타일 및 아이디어를 내놓는 방식은 매우 유사합니다. 병렬 구조처럼. 거의 처음부터.

그런데 카르나틱은 즉흥연주라 해도 낡은 보수체제에 의해 통제되는 일종의 연대가 있지 않은가.

글쎄요, 재즈에도 여전히 몇 가지 규칙이 있다고 말하고 싶습니다. 리드미컬한 주기가 있고 우리처럼 라가를 따르지는 않지만 모드나 스케일이 있습니다. 이 모드로 오는 특정 음표가 있습니다. 음표의 순서가 매우 엄격하지 않을 수 있으며 때때로 대조를 위해 외국 음표를 가져오지만 다시 돌아갑니다. 그들은 대부분 우리가 하는 것과 유사한 저울을 따릅니다. 네, 그래도 맞습니다. Carnatic 음악에는 많은 규칙을 부과하려고 하는 사람들이 있습니다.

때로는 작은 불완전함도 좋게 들립니까?

나는 옳고 그른 접근 방식을 믿지 않습니다. 좋고 나쁨에 가깝습니다. 그리고 이는 아티스트의 경험과 성숙도에 따라 판단할 수 있습니다. 예를 들어, 라가에 대한 정체성이 있습니다. Todi 또는 Sankarabharanam임을 알기 위해 모든 음표를 들을 필요는 없습니다. 한 구절에서 그것이 무엇인지 알 수 있습니다. 내가 모든 음을 부르지 않았는데도 어떻게 라가를 식별합니까? 그리고 이 옳고 그름은 어디에서 왔습니까? 음악 프리젠테이션은 미학과 그것이 만드는 연결에 관한 것이어야 합니다. 나는 개인적으로 모든 작은 것에 대해 그러한 규칙을 부과하는 것을 좋아하지 않습니다.

Madurai Somu와 같은 과거 가수와 Sanjay Subrahmanyan과 같은 현대 음악가의 음악에는 독창적인 요소가 많이 포함되어 있어 그 자체로 하나의 장르가 됩니다. 비슷한 일을 하고 싶은 마음이 들지 않습니까?

둘 다 나에게 매우 영감을 주는 아티스트임이 분명합니다. 하지만 나만의 장르가 있다는 이유로 틀에 박힌 걸 의식적으로 하고 싶진 않다. 언젠가는 뒤돌아보면 내가 틀에 얽매이지 않는 일을 했다는 걸 알게 되겠지만, 그것이 모두 자연스럽고 적절한 시기에 저절로 왔으면 좋겠어요. 아마도 당신이 말했듯이 다른 장르가 될 것입니다. 많은 경우 나는 그것을 해부하고 그것이 관습적인 것인지 아니면 새로운 공간에 진입했는지 판단하기보다는 그저 무언가를 듣고 그 아름다움을 감상하는 것을 좋아합니다. 새로운 공간은 내가 성장함에 따라 유기적으로 형성될 것이고, 내 음악이 더욱 성숙해지면 될 것입니다.

청중과의 연결이 얼마나 중요합니까?

그것은 나에게 매우 중요합니다. 내가 어두운 홀에서 노래를 부르면 검은 벽에 노래를 부르고 싶지 않기 때문에 주최자에게 불을 켜달라고 요청할 것입니다. 나는 사람들, 그들의 눈, 그들의 반응, 모든 것을 보고 싶습니다. 나를 위해, 나는 그것을 너무 많이 먹습니다. 그들이 나와 함께 있지 않거나 긍정적인 반응을 보이지 않는다면 나는 그 자리에서 진로를 바꾼다. 대화입니다. 청중은 자신의 방식으로 응답하고 나에게 다시 의사 소통합니다. 청중이 없다면 우리는 누구를 위해 노래하고 있습니까? 그들은 콘서트 경험의 필수적인 부분입니다. 매우 수용적인 청중이 있을 때 나는 무엇이든 부를 수 있다고 느낍니다. 그런 날은 슈퍼맨이 된 기분이다. 응답이 없으면 스스로를 의심하기 시작할 수도 있습니다.

청중의 피드백을 얻기 위한 기술로 청중과의 연결을 사용합니까?

제 생각에 처음 몇 곡의 노래 자체에서 여러분이 하는 일에 정말로 반응하는 청중의 주머니를 찾을 수 있다고 생각합니다. 내 눈과 내 초점은 자연스럽게 그들에게 돌아가는 경향이 있습니다. 의식적으로 하지는 않지만 본능적으로 일어난다. 때때로, 당신은 본능적으로 당신이 노래하는 것을 확인하기 위해 추가로 1초 동안 그들을 쳐다봅니다. 왜냐하면 그들이 그 시점까지 나에게 조용히 피드백을 제공했기 때문입니다.

첸나이의 청중은 반응합니까?

네, 물론입니다. 첸나이에서는 청중이 너무 많은 음악에 노출되어 있기 때문에 첸나이의 평균 라시카는 카르나틱 음악에 대해 상당히 교육을 받았다는 것을 기억해야 합니다. 전 세계에서 모두가 이곳에 오는 데는 이유가 있습니다. LA에서 첸나이로 이사한 이유는? 여기에서 이름을 짓는 것은 정말 어려운 일입니다. 여기 청중은 매우 안목이 높지만 정직한 피드백을 제공할 것입니다.

Sandeep Narayan은 어떤 장소에서는 경계선 기믹과 같은 특정 것들을 피할 수 있지만 첸나이에서는 청중이 그것을 모두 보았기 때문에 조심해야 한다고 말합니다. (사진설명: 라자파네 라주)

피드백을 제공하는 데 얼마나 관대합니까?

어떤 장소에서는 경계선 기믹과 같은 특정 항목을 피할 수 있지만 첸나이에서는 관객이 모두 보았기 때문에 조심해야 합니다. 나는 전 세계를 순회하며 모든 청중을 위해 노래를 불렀다고 말할 수 있습니다. 그러나 Chennai는 응답할 것입니다. 당신이 어디로 갔는지 상관하지 않습니다. (웃음)

여러모로 부끄럽습니다. 첸나이 청중으로부터 긍정적인 반응을 얻는 것은 많은 의미가 있습니다. 그리고 그들은 응답합니다. 당신이 그들의 감사를 받기 위해 무언가를 하려고 한다면, 그들은 그것을 꿰뚫어 볼 것입니다. 그러나 당신과 당신의 음악이 진짜라면 그들은 반응할 것입니다. 당신이 기대하지 않았는데 그들이 무언가를 고맙게 생각하면 당신은 놀랄 수 있습니다. 현실 확인이 될 수 있습니다.

그것이 이 카르나틱 전통을 유지하는 것이기 때문에 그것이 첸나이 생태계의 아름다움입니다. 그렇지 않아?

예. 생태계는 예술가뿐만 아니라 관객에 관한 것입니다. 그들 없이는 우리의 음악을 더 높은 수준으로 끌어올리지 못할 수도 있습니다. 저는 항상 첸나이 이외의 지역에 사는 학생과 예술가들에게 이곳에 와서 또래나 또래의 사람들이 음악적으로 무엇을 하는지 보라고 말합니다.

좋은 적합성은 첸나이와 다른 곳에서 성공하고 있습니다. 맞습니까?

그것이 이상적인 균형입니다. 여기에서 당신은 당신의 기술을 정말로 연마합니다. 한편, 다른 장소에서 공연하면 청중마다 다르게 표현하는 방법을 배울 수 있습니다. 두 가지 모두 성공적인 수행자가 되기 위해 필요합니다.

즉흥 연주의 도전이 무대에서 당신을 취약하게 만드나요?

무대 위에서는 조금 취약해야 한다고 생각해요. 아티스트가 무대에서 보여줄 것이 완벽해야 한다고 느끼면 안타깝다. 그렇게 하기 시작하는 순간, 당신은 당신이 할 수 있는 만큼 당신의 음악적 창의성을 탐구하고 확장하지 않습니다. 이제 상용 패키지에 대해 더 걱정하고 있습니다. 당신은 당신이 세운 브랜드나 이름을 유지하려고 노력하고 있습니다. 창의성을 탐구하면서 확립한 기준 사이에 균형이 있어야 합니다. 즉, 청중 앞에서 어느 정도 취약해야 합니다.

무대에 섰을 때 자신 있게 '좋아, 여기가 내 컴포트 존'이라고 하는 부분이 있다. 그러나 내가 안전하고 이미 검증된 것만 하려고 한다면 예술가로서 어떻게 다음 단계로 갈 수 있겠습니까? 내가 언급하는 취약점은 청중에게 자신을 공개하고 '이봐, 내가 뭔가를 시도하고 있고 그것이 어떻게 진행되는지 함께 보자.'라고 말하는 것에 관한 것입니다. 앞서 이야기한 대화의 일부이기도 하다.

Sandeep Narayan은 2015년 Thiruvananthapuram의 Kuthiramaligai에서 열린 콘서트에서 공연합니다.

미국 투어 콘서트에서 충분히 연습한 복잡한 코르바이를 시도했는데, 무대 위에서만 하는 게 아니었다. 한 번도 안 되고, 두 번도 안 되고, 세 번도 잘 될 줄 알았는데 안 되더라고요. 그 순간 내 머릿속의 무언가가 꺼지고 있었다. 생각하고 해결할 수 있는 1분의 침묵이 있었다면 처리할 수 있었을 것입니다. 그러나 탈람은 계속되고 있었고 청중은 보고 있었고 생각할 시간이 없었습니다. 마지막으로 다른 코르바이로 마무리했습니다. 그러나 mridangam 예술가가 솔로 연주를 시작했을 때 그는 코르바이를 올바르게 연주했습니다. 나는 즉시 그와 함께 노래를 불렀다. 그런 다음 나는 청중들에게 내가 노래하려고 했던 노래라고 발표했습니다. 나도 안 받았으면 그날 밤에 잠을 못잤을 거라고 말했어! (웃음)

이러한 불완전함이 콘서트를 기억에 남게 하지 않습니까?

라고 생각하지만 이런 일이 자주 발생하지 않았으면 합니다. 뭔가 자연스럽고 유기적으로 일어난다면 괜찮습니다. 계획에서 벗어난 일이 발생했고 저는 투명했습니다. 그것이 우리가 이야기한 취약점이라고 생각합니다. 나는 내 콘서트가 가능한 한 진정성이 있기를 원한다.

콘서트는 어떻게 계획하시나요?

최근에 그 곳에서 불렀던 라가와 작곡을 반복하지 않으려고 노력하지만, 가나 라가를 포함하고 싶다면 그 수가 제한되어 있기 때문에 때때로 반복을 피할 수 없습니다. 그리고 보통 콘서트에서 그들을 피하면 사람들은 자연스럽게 왜 Bhairavi, Thodi 또는 Kamboji 등이 없었는지 묻습니다. 그리고 그들도 맞습니다. 아마도 반복을 피하기 위해 언젠가는 다른 작곡을 부르거나 팔라비에서 가나 라가를 사용하고 다른 날에는 메인으로 사용하는 등의 작업을 할 것입니다.

두 번째는 다양한 작곡가와 탈람을 확보하는 것입니다. 또한 대조 측면에서 다양한 라가. 당신은 당신과 함께 여행에 청취자를 데려 가야하므로 당신은 약간의 다양성을 제공합니다.

그것은 또한 내가 노래하는 위치에 따라 다릅니다. 타밀 나두에서는 하나 또는 두 개의 타밀 노래를 부르고, 카르나타카에서는 하나 또는 두 개의 칸나다어 노래를, 케랄라에서는 하나 또는 두 개의 스와티 티루날 노래를 부릅니다. 알려진 노래를 혼합하고 하나 또는 두 개의 희귀 노래를 추가합니다. 우리는 끊임없이 균형을 유지해야 합니다. 그게 내가 콘서트에 접근하는 방식이다. 무대에 오른 후 목록을 변경합니까? 예, 항상. 공연장에 도착해 관중석을 보고 나면 가끔 내 계획이 잘 안 될 것 같아 경기 시간을 변경한다!

콘서트 중에 사람들이 요청을 하러 오면 계획을 방해합니까?

미리 요청을 받으면 콘서트 계획에 반영하기가 더 쉽습니다. 때때로 이러한 요청은 귀하의 생각과도 일치합니다. 때때로 그들은 그렇지 않지만 나는 상관하지 않습니다. 어쨌든 콘서트 때 받는 요청은 최대한 들어주려고 한다. 결국 관객들이 원하는 노래를 부르는 게 우리 일이다.

어떤 나무에 흰 꽃이 있어요?

어떤 가수들은 그들의 콘서트를 동시대화하기 위해 그들의 레퍼토리에 새로운 작곡을 추가하고 있습니까? 예를 들어 현대시를 작곡이나 팔라비로 추가하는 경우를 예로 들 수 있습니다.

이미 너무 많기 때문에 적극적으로하지 않을 것입니다. 아마도 이것은 내가 때가 되었다고 느낄 때 더 의식적으로 할 수 있는 일입니다.

라가스 탐사에 대한 당신의 접근 방식은 무엇입니까?

일반적으로 흔히 듣는 ragas의 골격이 있으며 창의적으로 채우는 것이 우리의 임무입니다. 가나 라가는 그런 면에서 많은 범위를 제공합니다. 그리고 대부분의 라가에는 새로운 경로가 작동하지 않을 경우 의지할 수 있는 확립된 상가디스가 항상 있습니다. 그 라가를 부를 때 더 많은 것을 탐구하고 실험할 수 있다는 자신감을 느끼면서 테스트를 거친 패턴과 전환으로 되돌아갑니다.

그런 다음 거의 노래하지 않기 때문에 프레임 워크와 템플릿이 거의 또는 전혀 없는 라가가 있습니다. 이것은 다른 극단입니다. 여기서 자유는 사전 탐색이 거의 없다는 사실에서 비롯됩니다. 그런 라가를 부를 때 새로운 시도를 많이 할 수도 있는데 누가 와서 내가 제대로 부르지 않았다고 말해줄까? 이 경우에 무엇이 적절하고 수용되는지에 대한 아이디어가 없습니다.

Sandeep Narayan은 Music Academy에서 상을 받았습니다.

거의 부르지 않는 라가를 어떻게 처리합니까? 제한된 구성과 참고 자료로 어떻게 개발합니까?

음악적 성숙도가 높아지면 머릿속에 다양한 것들이 떠오를 것 같아요. 예를 들어, 디팔리(Deepali)와 같이 거의 들리지 않는 라가에서는 몇 개의 산가티스(sangathis)와 음계를 제외하고는 많이 확립되지 않았습니다. 그런 경우에 나는 메모를 하고 그것이 나의 착륙 지점이라고 결정할 수 있습니다. 일반적으로 아무도 그것이 틀렸다고 말하지 않을 것입니다. 그러나 오래되고 잘 알려진 라가와 유사한 Devamanohari를 사용하고 랜딩 노트를 변경하면 청취자의 마음에 이미 특정 방식으로 설정되어 있기 때문에 어색하게 들릴 것입니다. 그러한 경우, 라가의 정체성은 다른 것으로 변하기 시작합니다.

그러나 이러한 희귀한 라가 중 일부는 힌두스타니족입니다. 힌두스탄어 참조를 사용할 수 없습니까?

당신은 할 수 있지만 그들의 가마카 다르다. 라가 접근법은 다릅니다. Pantuvarali를 Basant 또는 Puriya Dhanashree와 같은 소리로 만들 수 있다고 하면 힌두스타니를 어느 정도 모방할 수 있습니다. 같은 음이라도 힌두스탄 스타일로 부르면 다르게 들립니다.

가끔 하시나요?

네 저도 그렇습니다. 좋아요(웃음). 개인 취향입니다.

이것은 TN Seshagopalan이 Carnatic Bhairavi와 Sindhu Bhairavi(Hindustani Bhairavi와 비슷함) 사이의 평행 구절을 노래하고 있는 Pallavi의 녹음을 생각나게 합니다. 그런 것들이 내게는 정말 멋지지만, 다른 라가들과 공통되는 음표에 빠지지 않도록 주의해야 합니다. 쉬운 일이 아닙니다.

당신은 표현력이 뛰어난 가수입니다. 어떻게 감정을 표현합니까? 예를 들어, 경건한 노래를 하려면 개인적으로 정성을 느껴야 합니까?

모두는 아니지만 일부에서는 그렇습니다. 많은 경우, 노래의 의미는 감정을 이끌어내는 데 도움이 될 것입니다. 때로는 감정이 라가 자체에 있습니다. 때로는 노래와 연결되거나 작곡가와 연결될 수 있습니다. 예를 들어, 우리는 Gopalakrishna Bharathi의 Manji에서 노래 varugalaamo의 의미를 알고 있습니다. 신을 보고 싶은 마음으로 노래를 부르는 것이 아니라, 그런 상황을 너무나 아름답게 쓰시고 묘사하신 작곡가님의 감성적인 생각이 듭니다.

최근에 감정적으로 연결되어 있다고 느끼는 라가가 있습니까?

최근에 나는 Todi와 약간의 관계를 맺고 있습니다. 라가스와의 관계의 본질은 각각 다르며 계속 변합니다. 진부하게 들릴지 모르지만, 특히 많은 예술가들이 이 라가를 찾는 데는 이유가 있고 명성이 있는 이유가 있다는 것을 배웠습니다. 단지 7개의 음표일 뿐이지만 그 너머에는 너무나 방대한 것이 있습니다. 노래를 부를 때 나는 토디 터널을 내려가며 라가에 대해 점점 더 많이 배우는 것 같고, 터널을 벗어날 수 있다고 생각하면 이 멋진 라가와 더 많은 관련이 있다는 것을 깨닫고 탐구합니다. 더 깊게.